L’espace dans l’art

La maîtrise de l’espace et de ses représentations a été et est encore un sujet phare dans l’histoire de l’art. Elle a permis de grandes avancées notamment dans les arts de la guerre jusqu’à la modélisation numérique à laquelle nous assistons aujourd’hui. L’espace est un enjeu majeur. De sa représentation jusqu’à son intrusion dans l’oeuvre, l’espace est une question fondamentale à laquelle se heurte tout artiste de toutes les époques.Les différentes techniques de représentation en perspective ont toutes en commun l’intention de représenter la vue d’objets à trois dimensions sur une surface, en tenant compte des effets de l’éloignement et de leur position dans l’espace par rapport à l’observateur.

« Bien des sciences supposent l’espace; l’art, quant à lui, le produit. » Jean-Paul Galibert

La Préhistoire

Dans cette peinture rupestre, la forme du mur de la caverne épouserait-elle les formes du corps du cerf ? Les hommes préhistoriques savaient-ils déjà tirer parti de l’espace offert à eux dans les grottes ? L’espace est celui de la nature. Il n’y a pas d’espace représenté juste des figures qui suivent les reliefs des parois des cavernes.

– Tous les animaux, à de très rares exceptions près, sont représentés de profil, mais bien souvent la vue de profil est altérée par le procédé de la perspective tordue, ainsi de nombreux bisons ont des cornes de face.
– Les superpositions sont fréquentes.

Le sol est parfois évoqué par un élément naturel, corniche, mais n’est jamais représenté directement.

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 L’Egypte ancienne

Les peintres égyptiens ne cherchaient pas à représenter la profondeur. Ce qui comptait pour eux, c’est que l’on reconnaisse les personnages où les situations qu’ils peignaient. L’espace frontal est construit puis décoré. Il y a une représentation spatiale hiérarchisée. La représentation de l’espace ou du lieu quant à elle, obéit à la perspective horizontale, la distance perpendiculaire et la distance oblique imaginables étant annulées. L’espace est comme celui d’une page où l’histoire se déroule dans l’horizontallité. Toutefois la représentation des corps humains à la fois de face et de profil répondent à l’exigence de donner un maximum de renseignements sur les figurants.

La surface est divisée entre l’espace destiné aux inscriptions hiéroglyphiques et celui réservé aux illustrations. Cette dernière est recouverte d’un quadrillage à l’aide de cordes imbibées d’encre rouge. Les objets et les personnages sont délimités par un scribe-dessinateur, limite dans laquelle va pouvoir jouer ensuite le peintre

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L’Antiquité

Durant l’Antiquité, la géométrie euclidienne commence avec les Éléments d’Euclide, qui est à la fois une somme des connaissances géométriques de l’époque et une tentative de formalisation mathématique de ces connaissances. Les notions de droite, de plan, de longueur, d’aire y sont exposées et forment le support des cours de géométrie élémentaire. La conception de la géométrie est intimement liée à la vision de l’espace physique ambiant au sens classique du terme. La profondeur est représentée géométriquement. « Les premières recherches sur la notion de perspective remontent aux philosophes et géomètres de la Grèce antique à partir du Ve siècle av. J.-C. On sait ainsi que l’initiateur des recherches sur la perspective fut l’artiste-peintre Agatharcos ; Vitruve nous apprend en effet que ce peintre aurait mentionné dans son traité la notion des lignes de fuite issues d’un centre focal unique. » Zeuxis, peintre de l’Antiquité, savait représenter l’espace en « trompe-l’oeil », c’est à dire en donnant l’illusion parfaite d’un espace réel. On n ‘a malheureusement conservé aucune peinture de cette époque.

Les romains vont, eux aussi, rechercher le réalisme dans leur peinture. Au XVIIIe siècle, les villes de Pompéi et Herculanum qui avaient été ensevelies sous la lave du Vésuve en 79 avant Jésus-Christ, ont été retrouvées et mise à jour. On y a découvert des fresques en parfait état de conservation. Ces fresques témoignent des recherches faites par les peintres de l’antiquité romaine pour représenter la profondeur.

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La période byzantine

A l’époque byzantine, l’espace n’est pas profond: il est frontal et invite au face à face avec les images. Les fonds d’or confèrent une dimension sacrée aux images pieuses. Dans l’image ci-dessous, la table est représentée en perspective cavalière et semble comme sortir du panneau. Ce n’est pas que les artistes soient moins doués, mais ils ne sont plus préoccupés de donner l’illusion de la réalité. Ils cherchent plutôt à représenter des réalités éternelles.

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Le Moyen-âge

Durant le Moyen-âge, l’espace est encore plan avec parfois des tentatives de perspectives cavalières. Quelques lignes obliques viennent suggérer une profondeur dans l’espace représenté.

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Dans cette image ci-dessous, la perspective est signifiante: les personnages plus grands sont plus importants que ceux qui figurent en bas de la page. Il y a deux plans dont le premier qui mord sur le second créant ainsi par leur juxtaposition un effet de profondeur.

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En 1344, Ambrozio Lorenzetti, peint une Annonciation qui est considérée comme une véritable révolution dans l’Histoire de l’art. La Vierge et l’ange prennent place sur un véritable plan de base représentant un carrelage de faïence en damier et qui confère à l’image un effet de profondeur évident. Mais l’espace représenté est celui d’un cube en trois dimensions où sont placés les personnages. La perspective n’a pas d’horizon avec son point de fuite à l’infini, le fond d’or arrête la progression du damier comme s’il elle se heurtait à un mur.

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 La Renaissance

A la Renaissance, les artistes reprennent les théories d’Euclide et font de nouvelles tentatives pour « creuser » l’espace du tableau et suggérer une profondeur. Alberti écrit dans un traité « Je trace d’abord sur la surface à peindre un rectangle qui sera pour moi comme une fenêtre ouverte sur le monde ». Mais Masaccio dans cette oeuvre, dispose un mur dans le fond de la scène afin de ne pas se poser la question de l’infini. La technique de la perspective va dominer et devenir une véritable science. Les artistes écrivent des traités de perspective comme Dürer, Alberti, Piero della Francesca, etc.

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Le sfumato adoucit les contours des lointains (ou même des corps des personnages des premiers plans). C’est la technique qu’utilise Léonard de Vinci dans La Joconde.

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Une curiosité dans l’histoire de l’art demeure dans les Trifrons, portraits chargés de représenter la Trinité où l’on voit quatre yeux, trois bouches et trois nez dans un même visage. Icône église St Quiriace de PROVINS XVIe siècle. L’espace est ici symbolique et figuratif en même temps.

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La perspective cavalière au Japon

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Ailleurs, comme au Japon, on développait la représentation en perspective cavalière, où les fuyantes sont parallèles entre elles.

Les vedutistes:

Le védutisme (de l’italien vedutismo, de veduta qui signifie « vue ») est un genre pictural qui prospère en Italie et principalement à Venise au XVIIIe siècle, basé sur la représentation perspective de paysages urbains.  Il est né dans la peinture du Nord mais s’est affirmé chez les vénitiens.

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La perspective atmosphérique

La perspective atmosphérique est une technique principalement picturale qui consiste à marquer la profondeur de plans successifs en leur donnant progressivement (du proche au lointain) la couleur de l’atmosphère, du ciel. Elle fut redécouverte à différentes époques, les fresques de Pompéi montrent qu’elles furent utilisées dans l’antiquité.

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La Mer de glaces de Caspar David Friedrich.

Les artistes sont jusqu’ici dans une quête de représentation de la réalité sur un espace plan. La peinture est « une fenêtre ouverte sur le monde » selon les propos d’Alberti.

Les peintures sont lisses afin de ne pas perturber le cheminement du regard dans l’espace suggéré par le tableau.

La période baroque:

A l’époque baroque,comme dans l’oeuvre de Jacob van Ruisdael Paysage en hiver l’espace construit est investi de peintures qui ont pour effet de dématérialiser le bâti pour emporter le regardeur vers une réalité idéalisée et divine.

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La peinture n’est pas encore dans la quête de son propre espace fait de picturalité pure. L’histoire de la représentation de l’espace dans la peinture montre qu’il n’existe pas de système capable de reproduire la réalité. La peinture même la plus réaliste reste une illusion.

Le XIXème siècle

Au XIXe siècle, l’invention de la photographie permit la diffusion des images et permit à tous de voir et de comprendre définitivement la perspective.

La peinture est à la quête de son espace propre dans la surface du tableau. Il cherche la littéralité du plan. Gustav Klimt, dans Le portrait d’Adèle anéantit tout effet de profondeur. Le corps de la jeune femme semble comme prisonnière du plan du tableau.

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Le XXème siècle

Malevitch en 1918 propose un Carré blanc sur fond blanc. La peinture se crée « espace du tableau ». La peinture abstraite s’affiche dans la pureté du plan recouvert de blanc, de nuances de blancs. La peinture monochrome, d’une seule couleur, permet d’affirmer l’espace purement pictural.

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Le cubisme:

Le cubisme est un mouvement artistique qui s’est développé principalement de 1907 à 1914 à l’initiative des peintres Georges Braque et Pablo Picasso. Dès lors le spectateur est confronté à une image dont il peut faire le tour sans avoir à se déplacer : la troisième dimension entre dans l’espace bidimensionnel. Les cubistes veulent montrer ce qui fait l’essence d’une chose, la montrer dans son intégralité. Ils veulent montrer tout ce qui peut caractériser une forme, même si dans la réalité, on ne peut pas le percevoir simultanément. Par exemple, ce qui caractérise une tasse, c’est l’anse que l’on voit quand on l’observe de face, l’ellipse qui se dessine quand on la regarde d’au-dessus, et la forme du récipient lui-même vu de profil.

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Le XXème et XXIème siècles suite:

Mais les artistes n’oublient pas la profondeur. Lucio Fontana, dans ses Concetti spaziale, perfore d’un coup de cuter la toile pour créer une réalité profonde dans la chair de la toile. La profondeur par le léger relief est réelle.

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Jackson Pollock: l’espace qui n’en finit pas

Jackson Pollock avec sa technique de l’action painting dépose sur l’espace de la toile des coulures qui vont bien au-delà des limites, des bords de celle-ci. La peinture se prolonge à l’infini comme si ses gestes n’avaient pas de fin. Number 5

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Mais l’espace concret va, au gré des expérimentations, devenir un élément plastique, un matériau dont les artistes du land art vont tirer parti. Christo, ci dessous, en est un exemple frappant. Le land art agit sur la nature directement. Le land art est une tendance de l’art contemporain utilisant le cadre et les matériaux de la nature (bois, terre, pierres, sable, rocher, etc.). Le plus souvent, les œuvres sont à l’extérieur, exposées aux éléments, et soumises à l’érosion naturelle ; ainsi, certaines œuvres ont disparu et il ne reste que leur souvenir photographique et des vidéos.

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Les oeuvres d’art deviennent pénétrables comme celles de Jesus Rafaël Soto,

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Avec les technologies du numérique, l’espace virtuel peut coïncider avec l’espace de l’écran de l’ordinateur ou au contraire comprendre des espaces bien plus grands.

Faces of Facebook en est un exemple: ce monochrome est en fait une accumulations de millions de photos de profils sur Facebook. L’espace ici est planétaire.

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D’autres artistes se servent de google earth pour concevoir leur oeuvre d’art avec une partie du Pacifique dont la photographie aérienne rappelle les monochromes de Klein, cliquez sur l’image

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Les différentes perspectives:

La perspective cavalière: les obliques sont parallèles:

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La perspective axionométrique: En dessin technique et en architecture, une perspective parallèle, ou perspective cylindrique ou perspective axonométrique est une forme de représentation en deux dimensions d’objets en trois dimensions qui a pour objectif de conserver l’impression de volume ou de relief.

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La perspective à point de fuite unique ou monocentrique:

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La perspective curviligne

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Perspective en plongée

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Perspective en contre-plongée: On rencontre ce type de perspective énormément dans les bandes dessinées et les films d’animation japonaise qui utilisent beaucoup les mêmes plan de vu qu’au cinéma.

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Infographie tridimensionnelle

La synthèse d’image tridimensionnelles souvent abrégée 3D (3D pour trois dimensions : x,y,z, les trois axes qui constituent le repère orthonormé de la géométrie dans l’espace) est un ensemble de techniques notamment issues de la CAO (Conception assistée par ordinateur) qui permet la représentation d’objets en perspective sur un moniteur d’ordinateur.

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Animation 3D:

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Image stréréoscopiques: nécessitant le port de lunettes spécifiques, bicolores ou polarisantes, permettant au cerveau de reconstituer une vision stéréoscopique ;

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Les artistes ont d’abord cherché des moyens plastiques comme la perspective symbolique pour figurer l’éternel puis se sont attelés à imiter la nature. Mais il s’agit d’une convention de la représentation. Puis, la peinture s’est affranchie de ce besoin d’imitation pour entrer dans une quête de l’espace pictural pur. L’espace physique et concret est petit à petit entré dans l’oeuvre avec notamment les installations faisant entrer le corps de l’artiste dans l’espace physique de l’oeuvre.

Avec les moyens numériques, beaucoup de tentatives se veulent planétaires. L’espace est virtuel mais ne connaît pas de frontières. Il est décuplé. L’espace suggéré et l’espace littéral peuvent parfois cohabiter dans certaines oeuvres.

L’espace littéral est l’espace physique et réel du support.
L’espace suggéré est celui de la représentation posée sur notre support.
Un dessin en perspective est un espace suggéré.
Un monochrome est un espace littéral.

 

 

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