Ici, des oeuvres majeures de l’Histoire de l’Art à connaître et reconnaître.

Source principale: Wikipédia

L’Egypte ancienne,  autour de -3150 et qui s’étale sur trois millénaires.

Le Sphinx de Gizeh et la pyramide de Khéphren.

« L’art de l’Égypte antique est ainsi caractérisé par une idée d’ordre : des lignes claires et simples, associées à des formes pures et des aplats de couleur. Ignorant les perspectives, les artistes utilisaient des lignes perpendiculaires, verticales et horizontales pour former un quadrillage et donner des proportions correctes à leurs travaux, des projections planes sans aucune notion de profondeur spatiale. » Wikipedia

L’art est exclusivement symbolique, les animaux représentent des divinités. Les couleurs sont en aplat, le bleu et le vert symbolisent le Nil et la vie, le rouge la force et le jaune le soleil. Les hiéroglyphes sont composés avec l’image. L’artt égyptien servait le politique et le pouvoir. On reconnaît les personnages représentés avec le visage de profil, les épaules vues de face. Ils n’utilisaient pas la perspective linéaire pour suggérer l’espace.

La Grèce ancienne 

L’expression Grèce antique renvoie à la civilisation des peuples de langue et de culture grecques durant l’Antiquité.

L’Acropole d’Athènes, qui signifie « le point le plus haut de la ville »

Les Grecs étaient fous de géométrie, on voit dans ce temple des volumes géométriques clairs et précis. Les colonnes sont plus larges à leur pied qu’au niveau du chapiteau afin d’accentuer l’effet de perspective et donner plus de légèreté au bâtiment.

La Vénus de Milo.

Les Grecs représentaient de façon très naturaliste des corps tout en accentuant la beauté de l’anatomie. La beauté du corps était magnifiée par l’art grec. Les athlètes étaient au coeur de leur représentation.

L’art byzantin

L’art byzantin s’est développé dans l’Empire byzantin entre la disparition de l’Empire romain d’Occident en 476, et la chute de Constantinople en 1453. L’art byzantin est célèbre par ses mosaïques et ses icônes. C’est un art symbolique (comme l’art égyptien) où les couleurs ont toutes une signification, les gestes aussi des personnages sacrés. Les fonds d’or aussi sont utilisés qui manifestent par leurs reflets la présence divine.

Christ Pantocrator, qui signifie « Christ maître du monde », mosaïque byzantine.

Voici une icône Byzantine avec la Vierge et l’enfant Jésus représentés sous les traits d’un adulte. Le fond d’or est aussi de rigueur. Les contours sont stylisés.

L’art de l’Islam, un art abstrait né de la géométrie et de la calligraphie.  La figuration des personnages est interdite. L’oeuvre ci-dessous de Hassah Massoudy est contemporaine, admirez la qualité des traits et des courbes, de la composition d’ensemble.

L’Alhambra. Il a été construit pendant milieu du 14e siècle par les Maures dirigeants de l’ émirat de Grenade.

Le Moyen-âge 

Le MOyen-âge est caractérisé par l’enluminure (mettre la lumière dans), des livres décorés selon des règles précises et strictes. Le texte est composé avec l’image et des ornementations dans le texte. Le personnage sur le cheval est légèrement plus grand que celui d’à côté car il occupe un rang plus important.

L’architecture romane: (v. 950 ~ XIIe siècle), Vezelay

Regardez les voûtes en arc de cercle et les taches lumineuses sur le sol manifestant la présence divine. Lorsque le soleil est à son point culminant, à midi, le soleil passe à travers les claires-voies en se projetant au sol au centre de la nef.

L’art gothique:

Les voûtes sont en arêtes, les nervures et les colonnes fasciculées ont permis de construire des édifices beaucoup plus hauts que ceux de la période romane.

La Renaissance:

Les artistes de la Renaissance (XIV-XVIème) ont redécouvert les travaux de géométrie des grecs et ont à nouveau appliqué les règles de la perspective linéaire euclidienne. Dans leurs peintures, on peut voir des édifices construits selon cette règle.

La flagellation du Christ, Piero della Francesca. On voit ici très bien l’emploi de cette perspective. Les personnages ne sont plus figurés proportionnellement à leur importance dans le tableau.

Léonard de Vinci, La Joconde. réalisé entre 1503 et 1506.  La Joconde ne quitte jamais Léonard de son vivant. On remarque le paysage représenté avec la technique de la perspective aérienne.

L’art classique:

Raphaël, L’engagement de la Vierge. L’art classique se caractérise par des compositions stables où la raison domine les passions. Les références à l’art greco-romain sont nombreuses. Le dessin prime sur la couleur. Un message d’ordre politique et religieux est au centre de la peinture classique.

L’architecture classique avec le Château de Versailles est un bon exemple: symétrie et référence à l’Antique, une architecture de l’ordre et des belles proportions. »L’architecture classique se caractérise par une étude rationnelle des proportions héritées de l’Antiquité et par la recherche de compositions symétriques. Les lignes nobles et simples sont recherchées, ainsi que l’équilibre et la sobriété du décor, le but étant que les détails répondent à l’ensemble. Elle représente un idéal d’ordre et de raison. »Wikipédia

L’art baroque: Pierre-Paul Rubens, Saint Georges terrassant le dragon.  Admirez le rendu des matières, la composition mouvementée, le rendu de la lumière avec la technique du clair-obscur, la composition des couleurs et l’impression que les passions ici dominent sur la raison. Les artistes baroque cherchent à émouvoir le spectateur.

L’architecture baroque: Dans l’architecture baroque, l’accent a été mis sur des masses audacieuses, des colonnades, des dômes, sur des jeux d’ombre et de lumière rappelant le clair-obscur ainsi que des effets de tropme-l’oeil fondant l’architecture et la peinture. Eglise Saint Ignace, regardez les effets dramatiques et mouvementés de cette fresque où se mélangent architecture et peinture en trompe-l’oeil.

Le romantisme:  C’est un art, qui émerge en Allemagne au XVIIIème siècle,  où l’artiste affirme sa personnalité, un art avec le goût de l’étrange et du fantastique et de l’exotisme. Les personnages sont plus torturés. C’est un art où les sentiments dominent la raison.

Caspar David Friedrich, Le Voyageur contemplant une mer de nuages, 1817-1818

L’impressionnisme: C’est un art de la sensation lumineuse. Les artistes étudient les effets de la lumières sur les êtres et les objets. Par un système de taches colorées ils rendent comptent des phénomènes lumineux. L’art de la peinture en série démarre à cette époque:  Par exemple, les Cathédrales de Monet, plus de trente au total, ont été faites en 1892 et 1893, puis retravaillées en studio de Claude Monet en 1894,   dont en voici une reproduction. Le peinture est plus en matière, on voit des empâtements, des agrégats de peinture.

La tour Eiffel, construite en 1889 est un volume vide traversé par la lumière. Cette architecture de fer n’a été possible que grâce à la révolution industrielle.

Les cubistes: Mouvement artistique qui, entre les années 1910 et 1930, se proposait de représenter les objets décomposés en éléments géométriques simples (Picasso, Braque, Juan Gris)

Les futuristes: Mouvement de peinture exaltant la révolution industrielle. Le futurisme est né en Italie autour du poète Filippo Tommaso Marinetti (Manifeste du futurisme, 1909). les futuristes  empruntent à la technique divisionniste et au cubisme pour faire interférer formes, rythmes, couleurs et lumières afin d’exprimer une « sensation dynamique ».

Russolo, Aérodynamisme automobile

L’expressionnisme: l’art de déformer la réalité pour inspirer une réaction émotionnelle.  Le cri, d’Edvard Munch. On sent bien le cri se propager dans le paysage grâce aux larges coups de pinceau courbes envahissant la toile.

L’art surréaliste: art qui explore les rêves selon la théorie de Freud. Mouvement artistique issu de Dada, dont André Breton fut le chef de file, et dont les artistes (Max Ernst, René Magritte…) s’attachèrent à lutter contre tout acte de création raisonnée, pour mettre au jour une réalité autre par des procédés tels que: écriture automatique, cadavre exquis, frottage, collage, détournement d’objets usuels…
Ils cultivèrent ainsi l’irrationnel, l’étrange, le merveilleux, l’onirique, l’ésotérique, le bizarre et accordèrent une large part à l’inconscient dans leurs créations : peintures, sculptures, films, photographies, poèmes…

Dali

L’art abstrait:
L’art abstrait: Se dit d’une oeuvre qui ne représente rien du réel perceptible par les sens de la vue et du toucher ou ne fait pas référence à une réalité extérieure à l’oeuvre. Une oeuvre abstraite, ou non-figurative, ne représente rien que l’on puisse reconnaître. L’abstraction apparaît au début du XXe siècle, avec l’art contemporain. L’abstraction géométrique qui utilise des formes d’apparence géométrique (Albers, Barré) se distingue de l’abstraction lyrique qui privilégie le geste spontané et la tache (Hartung, Mathieu, Pollock).

Mondrian, Country-life.

Kandinsky, Composition X. 1939. Kandinsky est considéré comme le père de l’abstraction. Mais à bien regarder cette oeuvre, il semblerait qu’elle ne soit pas si abstraite. (prochaine énigme)

L’abstraction lyrique: comparez les deux peintures ci-dessous à celle de Mondrian. Dans ces deux là, la trace, l’empreinte du geste est beaucoup plus sensible.

Jackson Pollock

Georges Mathieu

L’architecture du Bauhaus: Le Bauhaus est un institut des arts et des métiers fondé en 1919 à Weimar (Allemagne), sous le nom de Staatliches Bauhaus, par Walter Gropius, et qui, par extension, désigne un courant artistique concernant, notamment, l’architecture et le design, mais également la photographie, le costume et la danse. Ce mouvement proposera les bases de la réflexion sur l’architecture moderne, et notamment du style international. En 1933, le Bauhaus (installé à Berlin) est fermé par les nazis, et sa dissolution est prononcée par ses responsables. De nombreux artistes et professeurs s’exilent aux États-Unis pour échapper au nazisme.

On voit bien la rupture avec l’architecture néo-classique. Le béton et les structures métalliques ont fait entrer l’architecture dans la modernité avec des formes nouvelles et inédites.

L’art contemporain: L’expression « art contemporain » désigne de façon générale et globale l’ensemble des œuvres produites depuis 1945 à nos jours, et ce quelle qu’en soit le style et la pratique esthétique. Dans cette classification périodique, l’art contemporain succède à l’art moderne (1850-1945). Cette désignation s’applique également aux musées, institutions, galeries, foires, salons, biennales, … montrant les œuvres de cette période. Le préfigurateur de l’art contemporain est Marcel Duchamp et sa conception nouvelle de l’art, notamment avec le ready-made: objet tout-fait non retouché et intégré dans le monde de l’art. Terme inventé par Marcel Duchamp. Il désigne à la fois l’appropriation d’un objet de l’environnement quotidien détourné par l’artiste de sa fonction et de sa valeur d’usage dans la réalité, et l’oeuvre d’art créée par un assemblage d’objets ou de morceaux d’objets de récupération.

Fontaine, 1917, Marcel Duchamp.

Le pop art: Mouvement artistique essentiellement britannique et américain des années 60 et 70, qui puise ses sources d’inspiration dans le quotidien et la culture de masse (ex: bande-dessinée, publicité, etc) (Dine, Lichtenstein, Oldenburg, Warhol, Wesselman).

Andy Warhol

L’art conceptuel:  Courant artistique des années 1960 issu de l’art minimal. L’objet d’art n’est pas considéré pour sa forme, mais pour ce qu’il signifie; le discours devient matériau de la pratique (Beuys, Kosuth).

Le Land Art: Mouvement artistique dont les protagonistes interviennent directement sur le paysage comme matière première en y imprimant des marques souvent éphémères. L’oeuvre se développe par étapes projet, préparations, action, traces de l’action (Christo, Long, Dennis Oppenheim, Smithson…).

Christo et Jeanne-Claude planifié un projet basé sur l’idée de Jeanne-Claude d’entourer les onze îles de Miami Biscayne Bay avec 603 850 m ² de rose polypropylène, un tissu flottant. Il a été achevé le 4 mai 1983 à l’aide de 430 travailleurs et a pu être admiré pendant deux semaines. Bien souvent le Land Art est éphémère et le film ainsi que la photographie en rendent compte.

Termes à connaître:

Installation: Disposition de matériaux et d’éléments divers dans un espace donné que l’on peut parcourir.

Anish Kapoor, Léviathan

The Weather project, est une installation géante investissant le Turbine Hall, à la Tate Modern (Londres, 2003-2004). Artiste danois ayant passé son enfance en Islande, Olafur Eliasson propose des installations mettant en lumière les phénomènes naturels. Loin d’imposer une sensation de construction complexe cherchant à dominer l’espace, il instaure un dialogue physique entre l’installation et les spectateurs, acteurs à part entière. Un immense miroir est au plafond.

Assemblage: Équivalent tridimensionnel du collage. Désigne une oeuvre constituée d’éléments initialement distincts souvent de natures différentes rendus solidaires (objets ou fragments d’objets, naturels ou manufacturés, formes façonnées, etc…).
Un assemblage consiste à réunir de manière solidaire différents éléments (matériaux bruts ou d’objets de récupération) pour former un tout.
Les artistes cubistes ou dadaïstes ont popularisé ce mode de création. D’autres en ont fait le principe même de leur mode de création. Kurt Schwitters invente le terme de « Merz » pour désigner ses assemblages. Robert Rauschenberg qualifie ses assemblages de « Combinepainting » et Daniel Spoerri crée ses « tableaux-pièges ».
Dans chacun des cas, ces assemblages très différents obéissent à une démarche artistique précise.

Schwitters

Accumulation: Entassement ou regroupement d’objets de même nature ou différents. Le mot est le plus souvent associé à certaines oeuvres des nouveaux réalistes (Arman).

In situ: Expression latine qui indique qu’une oeuvre est réalisée uniquement pour le lieu qu’elle occupe.

Les oeuvre in situ sont souvent accompagnées de dessins, textes ou photographies qui témoignent de la démarche poursuivie et représentent une mémoire des oeuvres réalisées.
Actuellement, les oeuvres contemporaines in situ sont essentiellement des installations (voir définition).
Beaucoup d’oeuvres d’art plus anciennes ont été déplacées pour être exposées dans les musées. Cela peut en modifier la signification si à l’origine elles étaient conçues pour un lieu précis.

Performance: Mode d’expression artistique contemporain fondé sur les attitudes. L’événement ou l’action et son déroulement devant le public constituent l’oeuvre. De durée variable et souvent éphémères, les performances peuvent faire intervenir le corps de l’artiste, le son, la danse, la vidéo…Elles sont souvent filmées ou photographiées pour en garder le souvenir et en conserver des traces
Matérielles.


Yayoi Kusama: Son oeuvre est caractérisée par des accumulations de points colorés envahissant l’espace des installations qu’elle propose. Dans cette performance, elle colle des points « dots » sur les vêtements des invités transformant ainsi l’ensemble de la pièces et des personnes en une oeuvre d’art. La photographie ci-dessus rend compte d’une de ses installations.