Le mouvement dans l’art

Avant de commencer cet article il est nécessaire de lire celui-ci: le mouvement notion ou constituant plastique ?

https://perezartsplastiques.com/2016/11/12/le-mouvement-notion-ou-constituant-plastique/

Nous allons commencer cet article par le nec plus ultra, cet art du déplacement ou ADD. Spectaculaire et à la mode, cet art sillonne nos villes et les forêts.

« L’homme a pour habitude d’utiliser les chemins et les escaliers pour se déplacer. Le traceur cherche le moyen le plus efficace de se rendre d’un point A à un point B, explique Mickaël. Pour s’amuser, il ajoute des acrobaties. » Le parkour est plus « un état d’esprit » qu’une discipline sportive.

Les traceurs sillonnent les villes avec leurs figures acrobatiques défiant la gravité. C’est la nouvelle tendance du mouvement de ces dernières années. Le parkour en tant que tel n’existe que depuis les années 1990. Il reste peu connu du grand public et des institutions sportives traditionnelles. Le parkour est considéré comme un sport extrême à cause des risques de blessure en environnement extérieur mais surtout à cause de l’image spectaculaire véhiculée par les médias.

Impressionnant non ?

La chronophotographie:

« La technique de la photographie offre aux scientifiques des possibilités nouvelles. A partir des années 1870, le Français Etienne-Jules Marey (1830-1904) et dans son sillage l’Américain Eadweard Muybridge (1830-1904) se servent d’instantanés photographiques pour décomposer le mouvement des êtres vivants. En dissociant, en figeant, en analysant les poses successives de leurs modèles, les deux hommes peuvent capturer le détail des activités sportives ou des gestes de la vie courante. » la décomposition du mouvement

La représentation du mouvement a connu ses heures de gloire avec l’invention de la photographie permettant la décomposition du mouvement. De ces nouvelles possibilités sont nées des théories dans le monde du travail qui ont donné le travail à la chaîne.

Le film de Charlie Chaplin Les Temps Modernes en fait la critique.

« Inventée par le physiologiste Etienne-Jules Marey en 1882, la chronophotographie est un instrument d’observation scientifique. A l’aide d’une chambre photographique équipée d’un grand obturateur tournant, elle permet d’enregistrer une série d’images successives sur un même support photosensible (soit sur des plaques de verre de format 9 x 12 ou 13 x 18, soit, dès 1888, sur une bande mobile en celluloïd), à partir d’un point de vue unique et à des intervalles de temps égaux. Ces images, prises à une fraction de millième de seconde, restituent avec une troublante perfection l’intégralité du déplacement d’un sujet devant un fond noir. Dès lors, en visualisant de façon précise la décomposition et la variation des mouvements, il est possible d’en comprendre le fonctionnement.  » Le sport et la photographie

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Le futurisme et le mouvement, la dynamique

Le mouvement futuriste s’est inspiré de cette nouvelle technique en restituant des mouvements par leur décomposition. Le futurisme est un mouvement littéraire et artistique européen du début du xxe siècle (de 1909 à 1920), qui rejette la tradition esthétique et exalte le monde moderne, en particulier la civilisation urbaine, la machine et la vitesse.

Umberto Boccioni, Dynamisme d’un cycliste (Dinamismo di un ciclista), 1913, Collection Peggy Guggenheim.

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Russolo, dynamisme d’une automobile

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Giacomo Balla, Dynamisme d’un chien en laisse, 1912

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Le mouvement devient une préoccupation plastique pour les artistes en quête de vitalité.

L’art cinétique

L’art cinétique, art du mouvement, naît un peu plus tard. L’expression Art cinétique est pour la première fois employée par une institution muséale, le Kunstgewerbemuseum, actuel Museum für Gestaltung de Zürich, en 1960. L’exposition MAT-Kinetische Kunst — Multiple Art Transformable-Art cinétique, que l’artiste Daniel Spoerri y organise, présente « des œuvres d’art de Paris qui se meuvent ou sont mues », où se côtoient les réalisations de Jacoov Agam,

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Josef Albers,

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Pol Bury,

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Marcel Duchamp,

Karl Gerstner, Heinz Mack, Frank Malina, Enzo Mari, Bruno Munari, Man Ray, Dieter Roth,

Jésus Rafael Soto,

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Jean Tinguely

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et Victor Vasarely.

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Ces œuvres sont alors dites multiples, non seulement parce qu’elles sont produites en série mais aussi du fait qu’elles bougent et se transforment à vue.

Le stopmotion

L’animation en volume est l’une des techniques d’animation, permettant de faire bouger des objets immobiles, procédé parfois désigné par l’anglicisme stop motion (ou stop-motion) Le découvreur de l’animation en volume est le réalisateur et comédien américain James Stuart Blackton qui, en 1906, utilise pour la première fois ce qu’en France on appellera le « mouvement américain.


Aux États-Unis, Willis O’Brien réalise les effets spéciaux du film Le Monde perdu en 1925 et de King Kong en 1933, qui assurent le succès de ce dernier et même sa seule existence puisque le personnage principal du singe gigantesque est à 90% une animation en volume (le reste étant sa main géante animée en direct par d’astucieuses mécaniques et d’habiles manipulateurs).

Un parkour en stopmotion:


Le plus large des stopmotions réalisé avec un nokia, très à la mode à l’époque.

Le light painting,

Le mouvement est au coeur des dispositifs de light painting. La lumière se déplace pour laisser son empreinte sur le cliché final.

Picasso en a réalisé de fameux:

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Il faut une sacrée représentation dans l’espace par l’intermédiaire du corps et du geste pour obtenir un tel résultat. Il suffit pour s’en convaincre de suivre le fil de la lumière. Picasso danse pour réaliser ses dessins. Il y a une parfaite adéquation entre le corps, le geste et l’espace.

Action painting:

L’action painting, traduit littéralement « peinture active », désigne aussi bien une technique qu’un mouvement pictural d’art abstrait apparu au début des années 1950 à New York.Le terme a été proposé en 1952 par le critique américain Harold Rosenberg pour caractériser l’importance de la gestualité dans le travail de certains artistes expressionnistes abstraits. Jackson Pollock en est le principal acteur. Il danse sur ses toiles pour laisser couler la peinture au gré de ses mouvements.

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L’artiste est au coeur du mouvement, c’est lui qui l’impulse dans l’oeuvre. Pollock fait corps avec sa toile? ils ne font plus qu’un.

Jean Paul Riopelle, 1958, Sans Titre

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Action painting avec des lumières

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Le mouvement, longtemps représenté par ce que j’appellerai l’art postural, cet art de la posture figée dans un mouvement, est petit à petit rentré dans la toile, dans l’oeuvre pour devenir l’expression du corps de l’artiste.

les mobiles de Calder:

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Calder invente cette structure mobile qui a pour effet de se mouvoir dans l’espace. Le mouvement n’est plus suggéré mais bien réel.

L’art postural:

En posturologie, la posture est l’élaboration et le maintien actif de la configuration des différents segments du corps dans l’espace, elle exprime la manière dont l’organisme affronte les stimulations du monde extérieur et se prépare à y réagir.

Attitude, position du corps, volontaire ou non, qui se remarque, soit par ce qu’elle a d’inhabituel, ou de peu naturel, de particulier à une personne ou à un groupe, soit par la volonté de l’exprimer avec insistance. Synon. attitude, contenance, maintien, pose.Posture d’un gymnaste, d’un mime; posture comique, bizarre, hiératique, naturelle; changer de posture.

La posturalité a dominé le champ artistique jusqu’à ce que les techniques libèrent les artistes de ce poids de l’imitation. Comment imiter le mouvement, ce qui est fugace et temporel dans une peinture figée et incapable par sa nature même de restituer le temps ? La posturalité est l’artifice que les artistes ont trouvé pour montrer l’instant donné dans une peinture ou dans la sculpture.

En Egypte, l’art est hiératique. Les figures représentées sont figées dans un instant donné. Mais ce qui domine est ce sentiment d’éternité où rien ne peut bouger.

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Dans la Grêce antique, la posture anime les corps exaltés dans des exploits physiques ou alors dans des canons de beauté. Le corps est magnifié dans un mouvement arrêté.

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Comment ne pas songer au tableau de Matisse de 1910 ?

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 Le Discobole (lanceur de disque)  de Myron. (L’original grec etait  bronze)

 

 

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Le contrapposto:

Le contrapposto, plus rarement orthographié contraposto en français, ou hanchement désigne dans les arts visuels une attitude du corps humain où l’une des deux jambes porte le poids du corps, l’autre étant laissée libre et légèrement fléchie. Le contrapposto apparaît dans la sculpture grecque à la fin du vie siècle av. J.-C. et marque la transition entre l’art archaïque et le premier classicisme2. L’attitude permet d’introduire du dynamisme dans la composition, tout en soulignant la cohérence du corps et le lien des différents muscles entre eux.

Copie d’une statue de Polyclète en contrapposto.

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Les figures spiralées:

Les figures spiralées se composent de manière dynamique avec un mouvement particulier des épaules et du buste. Le corps semble comme être en spirale autour de l’axe de la colonne vertébrale.

La Joconde de Léonard de Vinci en est un exemple:

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Plus tard Pontormo, dans la Déposition du Christ,  reprendra cet art de la spirale de manière magistrale.

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Mais il y a eu des périodes artistiques où le mouvement était proscrit. C’est le cas de l’art byzantin, hiératique par excellence.

Le mouvement comme apothéose:

L’art baroque met en scène des mouvements complexes traduisant l’ascension de l’âme vers le divin. Pozzo en est un exemple:

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Fragonard dans Les Hasards heureux de l’escarpolette peint une scène galante toute en mouvement autour de la pantoufle saisie en plein vol entre 1767 et 1769.

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Les impressionnistes s’attacheront à la représentation du mouvement comme instant fugace.

Monet dans cette peinture accorde plus d’importance aux mouvements des drapeaux qu’au reste de la scène.

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L’art hiératique, une figure du politique:

L’art hiératique est un art qui pose l’éternité comme principe esthétique, religieux et politique. Pas question de laisser le mouvement transparaître ne serait-ce par le contrapposto bien connu des anciens. La stabilité religieuse et politique est au coeur de ces formes artistiques. Il n’y a pas de place pour un contre-pouvoir qui laisserait penser que tout renversement est possible. Le geste de la main ci-dessous du Christ est en fait un signe et non une représentation d’un mouvement de la main. Il se pose en maître du monde. C’est un Christ Pantocrator, maître tout – puissant.

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L’adjectif, venu du grec παντοκράτωρ / pantokrátôr, signifie « tout puissant » et cette toute-puissance est exprimée par une lumière sans ombre, par le nimbe qui entoure la tête et des symboles comme les lettres grecques : α et ω (alpha et oméga).

Plus tard, dans l’art de la propagande, on peut remarquer cette tendance au hiératisme. Cette affiche de propagande fasciste en est un exemple.

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Mais le mouvement peut aussi intervenir pour montrer la puissance du pouvoir. Le mouvement l’exalte.

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livret de propagande vichy pour les agriculteurs

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La netteté est également un critère pour montrer la force du pouvoir en place. Le flou imprégnerait l’image d’ une zone d’ombre et de revendications.

En revanche, certaines images politiques radicales utilisent le flou photographique pour montrer le mouvement du peuple en avant. Effet de zoom sur le candidat pour montrer sa force. Effet de campagne.

L’art de l’Islam:

Il n’y a pas de mouvement dans cet art de l’abstraction qui pose un interdit de la figuration.

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Des artistes contemporains tentent de mettre du mouvement dans cet art statique par excellence.

Hassan Massoudy, on voit la trace du pinceau sur la toile. Le mouvement y est inscrit, trace d’une présence qui se manifeste dans le geste, le faire.

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L’art chinois:

Le mouvement est celui du pinceau sur la toile.

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Mais dans la représentation figurative, l’art y est postural.

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Les songlines: 

Il s’agit d’une représentation chantée et imagée d’un itinéraire selon des symboles bien définis. Le rêve est à l’origine de cet itinéraire partagé par ceux appartenant au même rêve. Les songlines sont des pistes chantées. Dans l’art aborigène, chaque chant est sacré et fournit une description très précise du chemin à parcourir à pied. Ainsi, un homme d’une région étrangère qui ne connaît pas de difficultés pour s’orienter, peut circuler. C’est un récit mythique qui relate la création d’une part du monde. Toues les particularités du paysage sont présentes. L’image se mêle au chant pour tracer un itinéraire. Il s’agit d’une représentation du mouvement symbolique, une sorte de jeu de piste où chacun retrouverait sa route en fonction des symboles représentés.

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Le mouvement dans le cinéma:

Lors de son invention; le cinéma, qui est aujourd’hui si banal pour nous, fut un véritable bouleversement. Un des premiers films fut un train arrivant dans une gare. Lors de sa projection, le film fit peur aux spectateurs qui décampèrent de la salle. Un film espagnol nous a fait revivre le moment mais j’ai perdu le lien. Si un internaute avait la gentillesse de me le communiquer …

Le mouvement de la caméra autour des danseurs dans Sevillana de Carlos Saura est une prouesse technique. En effet, il s’agit d’un plan séquence où le caméramen a dû composer son mouvement avec ceux des danseurs. La caméra tourne autour des personnages en mouvement qui tournent sur eux-mêmes.

Le mouvement dans la photographie:

Harold Edgerton réalise des photos montrant des mouvements rapides grâce aux possibilités de son appareil. L’instant est saisi. Il est abrupt. La photo fait voir ce que l’oeil ne peut saisir.

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Le mouvement dans l’art numérique:

Daniel Franke & Cedric Kiefer, cliquez sur l’image. Ce projet repose sur une idée simple: construire une sculpture de sable, en mouvement, à partir des données capturées des mouvements d’une vraie personne.Une danseuse a été modélisée sous une forme de 22000 pixels qui évoluent comme une sculpture de sable. Combinant ces données dans 3DS max, le corps de la danseuse peut ainsi être recréé numériquement en 3 dimensions; un corps numérique, composé d’un nuage de 22 000 points, dont le mouvement définit l’espace qui l’entoure.

unnamed soundsculpture from Daniel Franke on Vimeo.

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8 réponses

  1. Voilà bien le type d’article me rappelant les cours de mon père Prof de dessin. Il n’y a aucun reproche dans mon commentaire a part que ce n’est pas en un article que se fait connaitre, comprendre, voire apprécier l’art sans cesse en recherche …. pour revenir aux essentiels arts primaires !

      1. Il est de ceux qui prirent leur fonction en 1948 et ils ont pu contribuer a l’éveil de l’art des la fin de l’école primaire, puis reforme exigeant dans les « cours complémentaires » avant de passer, nouvelles reformes, aux lycées délaissant ainsi l’éveil dans les classes ou l’écoute était souvent le plus facilité. Autres temps autres mœurs, aujourd’hui je crois que les heures des profs (dessin et musique) sont de moins en moins possibles … l’art n’est pas le soucis des ministères et ministres successifs, c’est bien dommage et triste d’entendre la mediocrité des propos et le peu de culture générale des générations actuelles.

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